DGW3: mayo 2009

22.5.09

DVD a MOV

Pasos a seguir para pasar un DVD a formato Quicktime:

1. Con el programa DVD Shrink pasas la info del DVD a tu compu( AUDIO_TS; VIDEO_TS).
2. Con el programa TMPGEnc (4.0 XPRESS) convertis la info que bajaste a tu compu
( AUDIO_TS; VIDEO_TS) al formato Quicktime.

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19.5.09

TP02: Sobre Técnicas y Medios

Existen diversas técnicas para la generación de piezas con movimiento.
A continuación, 4 trabajos realizados para distintos medios con diferentes técnicas.

1. Stop motion with wolf and pig

Stop-Motion se llama la técnica con la que fué llevada a cabo esta pieza y es una de las técnicas de animación más tradicionales. La cámara permanece estática en el momento de capturar el movimiento el cual es generado por la figura que va desplazándose progresivamente.
Se puede generar un movimiento similar con un software de post-producción, pero lo interesante es que se puede realizar sin él.
Economía de recursos, un guión simple y un gran resultado.

Otras piezas interesantes realizadas con la técnica de Stop-Motion:

2. Técnica Bullet Time - Phillips Carousel

Esta historia comienza en el mismo punto donde finaliza, pero a diferencia de las piezas anteriores, vuelve a comenzar generando un loop infinito (obviamente en este posteo no lo vamos a reproducir eternamente).
La mayoría de nosotros hemos visto esta técnica llamada Bullet-Time utilizada hasta el hartazgo en numerosas películas y videoclips, en estos casos, el movimiento es generado por la cámara que se moviliza a través de figuras que permanecen estáticas pero que sin embargo transmiten un gran dinamismo desde su quietud.
Se trata de una técnica diametralmente opuesta a los ejemplos anteriores, un manierismo técnico utilizado como medio y no como fin.
Imposible realizarlo sin la intervención de un software y sobre todo sin un socio capitalista y muchos extras, un poco complicado para el que quiera realizarlo desde su hogar.

Para los que quieren saber como se hizo:

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18.5.09

TP02: Preguntas a los autores de los cortos

PREGUNTAS FORMULADAS A LOS AUTORES DE LOS CORTOS
1) Cual es el concepto que elaboraron para la realización de la historia contada en su corto?
2) Cual fue la intención comunicacional que esperan que reciba el espectador?
3) Cuales fueron los criterios estéticos usados en el lenguaje cinematográfico?

RESPUESTAS
Perceptio/Nicolas Giarrusso
1-Los conceptos son el estímulo, y la percepción. Percepcion proviene del latín perceptio, compuesta del prefijo per (intensidad), el verbo capere (capturar) y el sufijo tio(cion, accion y efecto)

2-Perceptio es un cortometraje de ficción que busca destacar movimiento y actitudes humanas, intentando aislar al ser humano de la cultura instaurada. Esto, se presenta a traves de la mirada de un personaje que recorre la ciudad y su imaginacion a traves de diferentes estimulos del entorno.

3- La subjetiva se empleo en momentos en que se busco apreciar actitudes humanas, para presentarlas al espectador desde el punto de vista del protagonista y, por lo tanto, desde una perspectiva humana (la vision de él podria ser la de cualquier persona). Por esto la cámara presenta un sutil movimiento, simulando la caminata del personaje. La cámara fija se utilizó en las secuencias abstractas. Todo el movimiento es interno a cuadro. Para lograr un análisis exhaustivo del movimiento se utilizó la cámara lenta (150 cuadros por segundo). Se busco mostrar asi una imagen detallada de movimientos conocidos pero normalmente poco observados.

Vuelos/Alejandro Telémaco Tarraf
1 -El viento. El pasaje de la quietud al movimiento.

2 -El "hacer" para poder tomar vuelo. Es apartir del hacer que los personajes se logran encontrar.

3- Estos son algunos: Grandes planos generales, quietud en la cámara, una búsqueda de lo pictórico, tiempo para que el espectador pueda hacer un recorrido visual en cada plano, la mas mínima manipulación en la postproducción de imagen (intentamos mostrar lo mas natural que se pueda respetando la paleta de color, el tiempo y la luz del momento), no a la utilización de diálogos.

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TP02: El Montaje

El montaje: La construcción de un audiovisual /Autor: Ariel Fathala

Introducción
El montaje, o si se prefiere la compaginación o edición de un material audiovisual, representa por su poder creativo, una de las etapas más significativas de su proceso artístico. En ese momento tenemos la totalidad de la obra ante nuestros ojos y dependerá de nosotros el producto final. Es la oportunidad para convertir un buen trabajo en excelente. Tal es el caso del film Citizen Kane (Orson Welles, Usa 1941) que luego de una filmación donde las imágenes eran de por sí brillantes con el montaje la obra tomo carácter de inmortal. Citaré la concepción del Sr. Welles sobre el montaje: “No puedo creer que el montaje no sea esencial para el director, desde el momento que mediante él, uno controla completamente la forma del film.
En la sala de montaje es el único lugar donde el director es en potencia un verdadero artista, ya que ejerce el control total del film.... En mis montajes busco el ritmo exacto entre un encuadre y el siguiente, es una cuestión de oído: el montaje es el momento en el que el film tiene que ver con el sentido del oído... Mis montajes no son puros problemas de narración o tensión dramática los que lo detienen, es mas bien una forma, cuando el director de orquesta ha de interpretar una pieza con o sin rubato”.
Siguiendo la misma analogía que coloca un trabajo audiovisual en paralelo con la obra musical resulta relevante recordar las palabras de otro director ruso que aportó mucho al crecimiento de esta disciplina: “escribir una película cómo si fuera una partitura. Cada plano está ligado al siguiente, no solo como una simple indicación, sino como una progresión simultánea de una serie múltiple de líneas con un orden de construcción independientes, inseparable del orden de la composición de la totalidad de la secuencia”. (Eisenstein, (autor del Acorazado Potemkin, 1925). En este sentido el cineasta o montador realiza su ilusión en función de la credibilidad sonora.

Componentes
En el proceso de dar forma al material, para convertirlo en un producto concreto y autónomo, hay que ser consciente de todos los elementos que participan en la acción y cuales son nuestras posibilidades.
El montador tendrá la responsabilidad de ordenar todos y cada uno de ellos para que el relato vaya tomando consistencia, respetando siempre la idea original y preservando la claridad del relato.
Entre otras cosas, el montador tiene a su disposición una serie de normas que se fueron legitimando con el correr de los años y que el espectador ya incorporó junto a sus códigos de lectura. En este sentido es importante recordar las connotaciones que implican utilizar un fundido entre planos o un primer plano, el uso indebido de ellos dotaran al discurso de gran confusión.
También es importante destacar la importancia de mantener la estructura sólida en las partes y componerla de mayor a menor para formar el todo. En este aspecto es aconsejable la agrupación en: Secuencias (se determinan por unidad dramática entre escenas – todas las escenas que componen la misma estarán gobernadas por el mismo sentido dramático, seguirán la misma línea argumental; Escenas (se determinan por la unidad de espacio y tiempo entre los planos que la componen – Un plano secuencia será el que represente en un único plano el desarrollo de una unidad dramática completa); Planos (se determinan por las distintas posiciones y/o movimientos de cámara); y por último las Tomas (serán las sucesivas repetición de la misma acción de un plano).

Reglas
Muchas posibilidades posee el montador al momento de unir un plano con otro. La más conocida es la regla del Racord, que no es otra cosa que la continuidad espaciotemporal de un plano con el siguiente.
Los problemas de continuidad o de Racord, se caracterizan por despistar y confundir la atención del espectador cuando se cambia de plano. En este aspecto será necesario mantener continuidad en: el movimiento del personaje si va de una dirección a otra; supervisar que el/los personajes y objetos mantengan la misma actitud, vestuario y posición que el plano anterior; una misma condición lumínica entre un plano y otro.
También es importante conservar la regla de los 180º, que consiste en cuidar de mantener siempre el mismo eje desde el cual se registrará la acción. Ej: Si hay dos personajes hablando enfrentados, para no prestar a confusión podré colocar la cámara en todo el semicírculo imaginario que se forma entre uno y otro, ese será el eje espacial para filmar.

Detalles
Siempre será más atractiva una obra si la relación entre los planos y su duración manejan un segundo lenguaje dentro de la estructura general. Quiérase o no al unir un plano con otro: ya sea de forma rápida o dejando silencios, pausas; según el estilo de unión que utilice (barrido, fundido entrelazado, corte directo, etc...), se va construyendo un ritmo de lectura visual que mejorará o no la lectura del trabajo final.
En algunos momentos apoyará la acción dramática y en otros servirá como contrapunto para destacar algún factor de interés.

Consejos
Si al término del trabajo tenemos dudas respecto de cómo responde la estructura o forma definitiva en función de nuestros objetivos, podemos preguntarnos por ejemplo:
- ¿Cuál es la premisa de cada secuencia?, ¿Se relacionan y orientan la historia hacia el objetivo dramático?
- ¿Cuál es el centro de atención en cada escena?, ¿Es el que necesito para sostener el argumento?
- ¿Cómo funcionan los tiempos muertos en la estructura?, ¿Ayudan o no a la lectura?
Estas y otras preguntas nos servirán para saber si la estructura sostiene nuestra historia, o la hace más confusa.

Síntesis
Hoy en día la tecnología avanza de manera tal que el montador, y artista en general, tiene un abanico más amplio de herramientas útiles para utilizar en el momento de la creación. No obstante, resulta de gran importancia no caer prisionero de los artilugios tecnológicos si no se tiene claro el objetivo, porque el abuso o mal uso de ellos por lo general interfieren la claridad del discurso.
Es importante tener en claro, a toda persona que decida construir audiovisuales, que es indispensable mantener el concepto de lo que se quiso decir desde la idea original lo cual fue el motor principal en la motivación del proyecto. La esencia debe permanecer intacta.
Cada obra requiere y acepta determinados recursos, no todo lo existente en el campo de las posibilidades se puede aplicar con el mismo sentido a todos los trabajos. Los efectos, códigos, reglas y normas son útiles siempre y cuando aporten nuevos elementos a nuestro trabajo. Si lo que se busca es transgredir las normas, será necesario primero conocerlas a fondo para luego ponerlas en crisis.
Recursos hay muchos, pero la función y objetivo del editor será darles a cada uno de ellos el uso justo y necesario, aprovechando las cualidades que cada uno ofrece y que mejor se ajusta a las necesidades especificas de cada trabajo en particular. Solo de esta manera se consigue una estructura coherente, sólida y eficaz.

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15.5.09

TP02: MOVIMIENTO - Primera parte

La importancia del montaje

Película El Resplandor (The Shining), director Stanley Kubrick

Género: Terror
Sinópsis: Jack Torrance se traslada, junto a su mujer y a su hijo, al impresionante hotel Overlook, en Colorado, para encargarse del mantenimiento del mismo durante la temporada invernal, en la que permanece cerrado y aislado por la nieve. Su idea es escribir su novela al tiempo que cuida de las instalaciones durante esos largos y solitarios meses de invierno, pero desde su llegada al hotel, Jack comienza a padecer inquietantes trastornos de personalidad, al mismo tiempo que en el lugar comienzan a suceder diversos fenómenos paranormales.

Versión original del trailer

Una versión muy particular del trailer (a mi me asustó igual)

Clarín: “el trailer demuestra claramente como se puede alterar el género y el sentido de un argumento, apelando a otro criterio de montaje, elección musical y efectos de sonido.”

Otros ejemplos:

De la película “Los 10 mandamientos” (próximamente en las mejores discos)

Crónica: “Es interesante observar en este falso trailer, que los recursos o efectos de transición utilizados son poco frecuentes para una película perteneciente al género histórico, los cuales acompañados con la música, los efectos de sonido y el tratamiento tipográfico, juegan un papel muy importante para situarlo en el género comedia.”